Exposiciones

Blood, Stop, Space, Gold

  • 8 junio - 8 septiembre 201823/05/18
  • Ana Adam - Blood, Sop, Space, Gold
  • Nona Inescu - Blood, Stop, Space, Gold
  • Nona Inescu - Blood, Stop, Space, Gold
  • Vista general
  • Ana Adam - Blood, Stop, Space, Gold
  • Vista general

[exposición colectiva]

 

Artistas: ANA ADAM, NONA INESCU, EMILIO ROJAS, LARISA SITAR

Comisaria DIANA MARINCU

 

Al estar inmerso en un incesante proceso de negociación y de construcción, el cuerpo es visto hoy en día como algo que necesita ser permanentemente inventado y reinventado a través de estrategias de auto proyección, identificación, rechazo, adaptación, empatía, en una materia plural y fluida. La exposición Blood, Stop, Space, Gold (Sangre, parada, espacio, oro) aborda las problemáticas de la encarnación, la apariencia y el tacto a través de cuatro discursos artísticos. Una parte de estos puntos de vista e inquietudes también hace referencia a un juego permanente de roles sexuales y de género, así como a la dicotomía privada y pública en relación con este tema. Hoy, más que nunca, el poder de la interacción humana crea una “crisis de contacto”, como argumenta Nona Inescu. “Como miembros de esta sociedad, quizás la tarea más difícil a la que nos enfrentamos diariamente es la de tocarnos – ya sea contacto físico, moral, emocional o imaginario”. (Anne Carson, Before Sexuality: The Construction of Erotic Experience in the Ancient Greek). En su video, “Where touch begins, we are” (Dónde comienza el contacto, somos), Nona Inescu reflexiona sobre la intimidad y la sensualidad – el cuerpo humano se puede expandir infinitamente, borrando las fronteras del individuo y el entorno a través del tacto.

Ana Adam emplea el dibujo como una herramienta de empoderamiento, “una alquimia diaria” capaz de inmortalizar lo casi invisible, la energía y la estela de las acciones, resumidas en su credo: Soy a la vez personaje y creadora. La fragmentación del yo se refleja en las historias plurales que se desarrollan en los collages digitales de Larisa Sitar, en los que el archivo se convierte en una fuente abierta sobre las relaciones humanas y las interacciones que se desarrollan en una historia ficticia. Emilio Rojas invoca la frontera como una herramienta crítica, o como lo describe la teórica feminista Gloria Anzaldúa: “Una herida abierta” –  a través de la que se exploran cuestiones como la explotación o la neocolonización. El terciopelo rojo dispuesto en el espacio expositivo dirige la atención de los espectadores a los alrededores y los gestos cargados del impulso de la transgresión. El impulso de reaccionar e interactuar también está presente en la instalación de jabones de Ana Adam – vehículos para descubrir mensajes internos, pero también para eliminar la carga emocional.

El contacto y el tacto rara vez son simétricos y las experiencias duales de tocar y ser tocados revelan diferentes aspectos de la exposición y la ocultación. “Como concepto, el tacto es ambivalente: es más íntimo que la vista, que ha sido la metáfora tradicional del conocimiento en el pensamiento occidental. A pesar de esto, tocar es también captar o comprender, por lo que con ello establecemos”. (Saara Hacklin, To Touch and Be Touched: Affective, Immersive and Critical Contemporary Art?)

Ana Adam (n.1964) vive y trabaja en Timisoara, Rumanía. Su técnicas predilectas son el dibujo (lápiz, tinta, pigmentos, telas, con o sobre papel o jabón). Exposiciones seleccionadas: Life a User’s Manual – Art Encounters Biennial Timisoara y Arad (2017); X Stylistic Matrix Xylography, Calpe Gallery, Timișoara (2016); Retracing, Monostori Erod, Komarom / Budapest Gallery / Criș County Museum (2014); IV Stylistic Matrix Xylography, Transformadora Gallery, Durango (2010); Fibers, pigments, French Cultural Center, Timișoara (2010, solo); Art on knees, 28 Gallery, Timișoara (2007, individual); Memorial Tapestry, exposición itinerante: USA / Italia / Polonia (2003); Drawings again?, Banat Country Museum, Art department, Timișoara (2002, individual); Drawing exhibition, Sindan Cultural Center, Cluj-Napoca (2000, individual).

Nona Inescu (n.1991) vive y trabaja en Bucarest. Su práctica artística es interdisciplinar y aúna fotografía, instalaciones y trabajos de vídeo. Basando su trabajo en lo teórico y la investigación literaria, sus obras se centran en la relación entre el cuerpo humano, el entorno y la redefinición del sujeto de un modo post-humanista. Entre sus exposiciones más recientes se incluyen: An animal that was once thought to be a plant that transformed into stone, SpazioA, Pistoia (2018); Lithosomes, Exile, Berlin (2017), Conversation with a stone, SpazioA, Pistoia (2016), Her latent image, Kube Musette, Bucharest (2016), y Hands don’t make magic, Sabot Gallery, Cluj-Napoca (2015). Su trabajo ha sido incluido en exposiciones colectivas como: as: Survival Kit 9 en Riga (2017), Life A User’s Manual – Art Encounters Biennial Timisoara y Arad (2017), Grotto Capitale, Exile, Berlín (2017), Gestures of Tomorrow at Kunstverein Nuremberg (2016).

Emilio Rojas (n.1985) busca romper límites y crear experiencias catárticas que inviten a los espectadores a dejar de observar para volverse parte de ellas. Su trabajo se manifiesta a través de una diversidad de medios como lo son el performance, el vídeo, la fotografía, las intervenciones públicas, la escultura y la instalación. Exposiciones individuales: The Lions Teeth And / Or the World Was Once Flat, Gallleria Piú, Bologna (2017); Poetics of Embodied Landscapes, JosédelaFuente, Santander (2015); Following a line, through a landscape, Back Gallery Project (2015); El Grito, Vivarium Gallery- Vancouver (2011); Nationalism & Sports; The only way to love, Vivarium Gallery, Vancouver | CA (2010). Selected recent group shows: Traddutore, traditore. Comisariado, Gallery 400, College of Architecture and the Arts, University of Illinois, Chicago (2017); The Dead Taste Sweeter Than the Living (performance), DePaul Art Museum, Chicago (2017); Besides Colonization, JosédelaFuente, Santander (2017); Manual to be (kill) or forgive my own father, Museum of the Art Institute of Chicago (2016); Sobre(vivir), antiguo banco de Japan Hiroshima Branch. Hiroshima (2016); Colonial Color Palette, Lafayette College, Grossman Galleries, Easton Pennsylvania (2015); To Die Once and a Thousand Times, in collaboration with PAL, Lodge Theatre, Vancouver (2015); Twice Stolen Land, AHVA Gallery. University of British Columbia, Vancouver (2015).

El trabajo de Larisa Sitar (n.1984) explora temas como la memoria, la mitología y la nostalgia, utilizando la fotografía, video, instalación, dibujo e intervenciones en el espacio público. Los personajes que aparecen en su práctica son capturados de la conciencia colectiva o del origen lejano de la mitología y los cuentos de hadas. Exposiciones seleccionadas: Life A User’s Manual – Art Encounters Biennial Timisoara y Arad (2017); The Fortress of Solitude from the holy wood of eternal noise, The National Museum of Contemporary Art (MNAC) Bucharest (2016); Inventing the Truth. On Fiction and Reality, la Biennale di Venezia, The New Gallery of the Romanian Institute en Venecia (2015); WHAT ABOUT Y[OUR] MEMORY, MNAC, Bucharest (2015); Transformation. Romanian Sculpture 25 Years After the Revolution, Museum Beelden aan Zee, La Haya (2014); PASAJ, MNAC – Annex, Bucharest (2014); Care Crisis, Futura Gallery, Praga (2012); Essl Art Award CEE, Essl Museum, Klosterneuburg / Viena (2011); Zoomania.Ro, MNAC, Bucarest (2010); Start Point Prize, GASK, Kutná Hora (itinerante a NTK gallery, Praga, 2010).

Diana Marincu

modernism

art mirror 

AD – Ianko López

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