Exposiciones

LA PIEL DEL MUNDO : Apparatus 22, Bianca Bondi; Mathilde Claebots, Noa Gur, Arturo Hernández Alcázar, Lucas Jardin, Ion Macareno, Emmanuel Van der Auwera. Comisariado: Nicolas de Ribou

  • 13 julio - 2 septiembre 201711/07/17
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  • Vista de exposición / Exhibition view
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  • BIANCA BONDI. Virginia, 2016
  • LUCAS JARDIN. Entre temps, 2017
  • ION MACARENO. Sin título, 2014
  • MATHILDE CLAEBOTS. Ecorché nº2, 2013

 ‘Lo más profundo que hay en el hombre es la piel.’

-Paul Valery

La piel es eminentemente política, no tanto por lo que contiene, sino por lo que representa. La piel es lo que nos protege y lo que nos pone al descubierto. La piel es nuestra presencia en el mundo y la memoria de nuestras acciones colectivas. La piel es película, capa, tejido, ropa, estrato, materia, superficie, pantalla, máscara, es lo que oculta y también revela sobre el ser humano y su mundo.

La exposición la piel del mundo, a través de las obras de ocho artistas, reflexiona sobre las diferentes pieles que constituyen nuestro ámbito.

Bianca Bondi y Apparatus 22 aluden a la piel humana y sus repercusiones sociales, ya sea por tema de color, de género, de religión, de vejez o de actuaciones. Bianca Bondi (1986, Sudáfrica) trabaja con el látex, que se parece a la piel, pero sin color, para hacer chaquetas andróginas que llevan el nombre de mujeres famosas como Virgina Woolf y juega con los poderes atribuidos a la chaqueta del chamán, que actúa como una máscara, para pasar de un estado a otro. Apparatus 22 (Erika Olea, Maria Farcas y Dragos Olea, Rumanía) crean obras integrando cortos textos poéticos tatuados sobre cuero de diferentes colores. Aparecen como reflexiones sobre el cuerpo humano y las diferentes maneras de control político, económico, social, religioso, estético y tecnológico.

Noa Gur y Arturo Hernández Alcázar hablan de la industrialización y de los males del capitalismo con el uso de diferentes materias negras sobre diversos soportes. Noa Gur (1980, Israel) utiliza su propio cuerpo en una postura que recuerda a los retratos de la pintura clásica. Tiene la cara llena de hollín, y su boca inhala y exhala humo. Lo que parecía una superficie plana negra revela sus rasgos, aludiendo a la vez  al trabajo físico realizado todavía hoy por gente olvidada, ya sea por razones geográficas o sociales. Arturo Hernández Alcázar (1978, México) explora la idea del residuo como posibilidad escultórica y gráfica, y reflexiona acerca de las condiciones laborales en el entorno del capitalismo neoliberal para señalar una serie de problemáticas que giran en torno al tema del territorio en el contexto del despojo, la desaparición masiva, y la erosión de los modelos prevalecientes de organización política.

Ion Macareno y Lucas Jardin, fijan su atención sobre el ámbito urbano reflexionando sobre los usos de las imágenes y las formas que allí se generan, elaborando obras que siempre nacen de un proceso estrechamente vinculado con el trabajo de taller. Ion Macareno (1980, España) da forma a obras que remiten a distintos aspectos del espacio público: desde formas de mobiliario o arquitectura urbana a materiales y texturas utilizados en la construcción. Lucas Jardin (1990, Francia) procede en su trabajo de pintura sobre lonas de poster de película de gran formato recogidas por la ciudad. Puesto al suelo en el estudio del artista durante varios meses, se llenan de pintura y materia a diario. La composición pictórica aparece y se fija con la ayuda de tapas que reservan y protegen partes del todo a medida que el artista les considera acabadas.

Emmanuel Van der Auwera y Mathilde Claebots, trabajan con objetos comunes y sus componentes, para desarrollar una reflexión sobre las imágenes, y la lectura que se hace de ellas. Emmanuel Van der Auwera (1982, Bélgica) lacera los filtros polarizadores de algunas pantallas LCD, creando collages digitales en movimiento. Estas acciones que literalmente alteran la pantalla llaman la atención sobre las manipulaciones de las imágenes, con el fin de pensar en la relación que mantenemos con ellas. Mathilde Claebots (1990, Francia) explora las conexiones entre arte, artesanía y diseño a través de la figura de los sillones que transforma y deconstruye. Ella solo muestra el tapizado de estos, como la piel del objeto, que llama a un esfuerzo de reconstrucción mental por nuestra parte para hacer nacer de nuevo el cuerpo que falta, la forma y la imagen inicial del objeto.

Nicolas de Ribou

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